写意花鸟画 简述写意花鸟画中的用墨与用色
时间：2018-12-25 03:39:05 来源：雅意学习网 本文已影响 人 
摘要： 本文简述了写意花鸟画通过用墨和用色的丰富变化，来表现画面的前后层次在空间里的特征。用墨和用色只是表达花鸟画作品趣味的基本手段，具体因人而异。写意花鸟画的用墨和用色正在传统的基础上不断地创新。
关键词： 写意花鸟画 用墨 用色 创新
一、概述
花鸟本来是客观存在的“自有之美”，通过画家的审美态度和欣赏情调而提炼、升华，成为一种能够曲折地反映人们感情和志趣的艺术。花鸟画的产生和发展经历了一个漫长的历史过程，它从实用工艺美术的装饰纹样发展到作为人物画的配景与点缀，到唐代晚期发展成为一门独立画科。它从唐宋开始繁荣之后历经宋元文人画阶段直至发展到现代，无论从题材范围、造型方式、笔墨技巧及抒情手段等各方面，都积累了极为丰富的经验。用墨、用色的共同要求，都要符合画中形象和内容的实际需要。以下，就用墨和用色两个方面来谈。
古人说，“以色助墨光，以墨显色彩”、“色不碍墨，墨不碍色”、“色中有墨，墨中有色”、“笔与墨化，墨与色化”等等，都是讲色彩与墨的关系。齐白石先生画花卉，喜欢用单纯而强烈的色彩与墨对比，给观者一种明快、强烈、辉煌的感觉。色与墨相互映衬，具有很强的中国民间风格。
二、用墨
墨在中国画里占有重要的地位。所谓墨分五色，即焦、浓、重、淡、清。这是指墨有极浓和极淡的区分变化。实际上严格区别不止这五色。从最干到最湿，也有很多色阶变化。浓淡干湿的变化与用笔的快慢、勾皴点染等表现手法紧密结合而组织成一幅中国画。“画事用墨难与用笔，故吾国绘画，由魏晋以至隋唐，均以浓墨线作轮廓。吴道子作人物山水，尚如是，故有洪谷子（荆浩）有笔无墨之评也。自王摩诘，始用渲淡，王洽始用泼墨，项容、张�、董、巨、二米继之，渐得墨色之备，可知墨色之发展，稍后于笔也。然而笔为画之骨，墨为画之肉，有笔无墨非也，有墨无笔亦非也。”（潘天寿《听天阁画谈随笔》）这是画家对笔墨的论述。用墨与用笔并重，用墨即从用笔扩展而来。确切地说，用墨是指怎样在画面上发挥它的浓淡作用。用墨不出浓淡二字，由浓渐淡、由淡渐浓、浓浓淡淡，变化莫测，指的就是用墨的较高层次了。
具体创作中要根据画面立意来运用浓淡干湿。一般来说，在写意花鸟画中，前面的叶子浓一点，后面的叶子用淡墨来表现。正面的叶子浓，反面的叶子淡。同时为了表现前后的不同墨色的变化，采用浓衬淡、淡衬浓、浓墨破淡墨、淡墨破浓墨的表现手法。一笔之中要有浓淡变化，一片叶子也要有浓淡墨色，一幅画更要浓淡相间。如果没有变化便成死墨一团。在一幅画中，只有浓墨没有淡墨，画面容易出现霸悍和单调，会感到太重、太黑。反之，只有淡墨没有浓墨，画面会显得没有精神，缺乏重量感。实际作画中，还应注意焦墨的运用，画面上用些焦墨，可使整个画面有精神，但焦墨的旁边须有浓淡墨与之晕消，否则焦墨会太孤立地跳出画面来。实际创作中，应使画面形成多种对比关系，增强作品的表现力。
墨法在创作中常用的有三种：1.泼墨法：即倾墨于纸上或饱蘸墨色以大笔迅速扫之。2.积墨法：由淡到浓，层层皴染。这要待前一次墨干后，再加第二次墨，否则会浑浊一片，模糊不清。同时积墨时注意交错用笔，保留一定的空隙，切勿画实。一张画中的积墨，要浓处愈浓，淡处少加或不要加，才有起伏变化，即强化浓淡的对比关系。在自己花鸟的习作中，我发现淡处多了，全张容易灰暗平扁。3.破墨法：破干死墨造成墨韵。或浓破淡，或淡破浓，或干破湿，或湿破干。浓破淡法效果较好些。破墨法能使画面墨气滋润。但我感觉破墨法较难掌握。关键是要能控制渗化效果，控制水份和墨色的浓度及掌握干湿的程度。色、墨相破，也有浓破淡、淡破浓、湿破干、干破湿等。色、墨相破时，墨破色容易，色破墨困难。墨破色时，色彩鲜美；色破墨时容易灰暗。色、墨混合时，有时要调匀、调准再上纸，我更多的时候是不要调匀就画，适当调和，即刻上纸。有时色彩是在画面上边画边调的，墨色就显得清新鲜润。墨在文人画家将其作为一种主色运用到中国画中之前, 就和色彩相互依存, 互为补充。当墨成为画面的主要表现形式, 并逐渐发展成具有各种技艺性的“墨法”时, 色、墨开始发流, 墨才具有了独立的欣赏地位和形式语言。中国画自元代至今, 以墨写形已有几百年的历史,这期间，人们认识到单色的墨很难尽情地表现多彩的世界。 画家们运用不同层次的墨来增强墨色的表现力, 以墨写色, 用“墨即是色”的标准追求墨色的色彩效果。
其实中国画的用墨，实际上也可以说是用水。用水的多少，决定墨色的浓淡。具体在创作中，用墨应注意以下几点：
第一，一笔之中要有浓淡墨。要使一笔之中墨色有变化，有二种方法。一是先将墨调成淡墨再用笔尖蘸浓墨略调一下，这时笔上的墨色从笔尖到笔根即由浓渐淡；二是先将墨调成液墨，再用笔尖蘸清水，这时，笔的墨色则由淡渐浓。
第二，在生宣上作画，墨干后就会变得淡一些。这是宣纸的特性所致。因此我在作画时宁可墨色浓一点，这样待干后，就会恰到好处。我想这种特性和水粉颜料的特点差不多，水粉色干后也是大幅度变灰的。
第三，写意花鸟画除了要有浓淡的变化外，还要有干笔和湿笔的区分。干湿的变化与行笔的速度、水份的多少有着直接的关系。有时因行笔的快慢，就会干湿俱备，正式作画有时一次分出干湿，有时要干湿两次写出。只干不湿，太枯瘠；只湿不干，太臃肿。浓淡干湿的运用，要根据物象的实际情况的变化来定，不要变成形式上的笔墨游戏。行笔快或水份少则容易出现枯笔；而行笔慢或水份多则会产生湿笔。干湿的变化与时间的长短和季节、气候的不同也具有很大的关系。如果画得太湿了就会变成一块墨团，浑浊不清，浓淡就不分了；太干了则浓淡衔接不自然；而水份太多，墨色缺少变化是最易犯的毛病。要熟练掌握，多练是关键。
三、用色
南齐谢赫的六法之一有“随类赋彩”。以墨为主、以色为辅是中国写意花鸟画运用色彩的一大特点。墨的意义，不是以一种颜色在画面上出现，而是作为一种调整关系的色彩而存在。因此说中国画的色彩是写意的，而不是写实的。由于是写意的，它在设色中追求的是意象美，故其设色赋彩必然要求是意象中的色彩。在“随类赋彩”的基础上，根据立意的要求进行大胆加工、取舍、夸张、变色。绿色的竹子可画成墨竹、朱竹。粉色的花头可以画成大红色的花朵。因此，中国写意花鸟画中的用色，它既不受光源色、环境色的影响，也不受固有色的左右，而是在固有色的基础上进行加工设色。
在设色的过程中，要遵循“多样统一”的原则。既要使色相的明度丰富多彩，又要分清主次，使色彩和谐统一于主色调之中。如果单纯追求色彩变化而忽略统一，就会使色彩杂乱无章。反之，单纯强调统一而忽略变化，又会使色彩单调、死板，索然无味。画面上用色不宜多，用一种色，最多两种色为主，其它色都画得少些，要有次色依从主色的意思。
由于写意花鸟画的设色要求是意象中的色彩，不受自然主义的约束，因此在设色形式上，因作者兴趣和修养的不同就会有所差异。有些画家用色强调色彩的对比，很少用墨；有些画家以墨为主，以色为辅喜欢素雅而清秀的感觉。设色，还须结合用笔、用墨法。归纳起来，花鸟画的设色一般有以下几种形式：1.重彩：这种表现方法多用在工笔设色画法上，但写意花鸟画有时也用。此法一般用墨较少，基本上都用颜色，用色较厚重，效果鲜明而浓艳。2.浅绛：基本上以墨为主，以色为辅，颜色以花青、赭石为主调，效果素雅而大方。3.纯墨：只用干湿浓淡的不同墨色，表现不同的色彩和质感，此时的墨也即色，画出来的效果浑厚而淡雅。4.近似色：墨或色墨混用。作画过程中应注意墨色的对比、笔触的轻重、水墨的痕迹。石色中的石青、石绿、朱砂、赭石与墨相调使用,渗化交融, 会有意趣天成的效果。用大量含水墨的笔, 不离纸面画到笔头发干, 其间会出现不同湿度、不同浓度的笔墨变化, 来获得意外的表现效果。
四、总结
写意花鸟画通过用墨和用色的丰富变化，来表现画面的前后层次在一、二度空间里的特征，其注重的是物象在画面的平面布列和层次掩映衬托。它不强调远近变化，具有构图的形式美、对象的造型美和笔墨的情趣美的特点。用墨和用色只是表达花鸟画作品趣味的基本手段，具体还因人而异，我认为作品具备了画家的真情实感和用墨、色表现出了美的形式感，就是优秀的作品。诚如有画家所言，艺术作品本身没有好坏之分，只有品味和格调的高下之别。我很赞同这样的观点。随着时代的发展，写意花鸟画的用墨和用色也在传统的基础上不断地创新。“笔墨当随时代”，当代很多画家已从民间绘画和西洋绘画中汲取到营养，如很多画家把水粉、水彩、丙烯、纺织颜料应用于国画创作中，丰富和发展了其表现形式，使写意花鸟画呈现出了崭新的面貌。
参考文献：
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