[“指尖上的组合艺术”] 指尖上的艺术
时间：2019-04-10 03:31:02 来源：雅意学习网 本文已影响 人 
摘 要：近年来，随着西方古典音乐在国内的日渐普及，钢琴三重奏和弦乐四重奏等室内乐演奏形式和作品，逐渐为众多国内的音乐爱好者所熟知。本文旨在将器乐重奏发展和著名的西方组合作简要介绍式的阐述。
关键词：钢琴三重奏；宗教；奏鸣曲；音响色彩；组合
中图分类号：J605 文献标识码：Ａ 文章编号：1005-5312（2012）20-0105-02
在古老的欧洲，音乐的起源发展和其服务对象都与宗教息息相关。在文艺复兴时期出现的完整拍的划分不是以二拍子为单位，而是以三拍子作为基本的节奏划分原则，这正是对宗教中圣父、圣子和圣灵三位一体的体现，相当数量的三重奏鸣曲作品的问世就是作曲家们以另一种形式对宗教的诠释。
奏鸣曲为起源于巴洛克时期室内乐的创作体裁。而钢琴三重奏和弦乐四重奏则是最为普遍和传统的器乐多声部奏鸣曲形式，这两种体裁因为自身的种种特点，导致了完全不同的发展结果。
弦乐四重奏的构成为四件弦乐器，四件音色除音域外几乎完全一样的乐器营造出的一个音质纯净得像没有一点杂草和鱼跃的水面，因此要求创作者对于这四件乐器要有超强的驾驭能力，哪怕是微观上一点失误都可能造成非常失真和难以入耳的效果；同样，这样高难度的创作特点也使得弦乐四重奏的发展相对缓慢。其缔造者海顿于这种体裁投入了大量的心血，完成了大量优秀的作品，几乎成为这种体裁不可逾越的巅峰。后世虽有贝多芬在思想性深度上有所拓展，有德沃夏克在民族性上进行了深层次挖掘；有巴托克与肖斯塔科维奇等后人又在无调性创作等新型理论上有所开创性进展，但总体艺术成就总是无法完全超越缔造者海顿之神话。而钢琴三重奏则完全不一样。键盘乐器钢琴的加盟部分削弱了弦乐声部的纯净感从而造成了一种新的平衡——如同夜空不再单调地纯净，反而星翟的闪烁增加了它的光辉。相较于小提琴与大提琴奏鸣曲，钢琴在其中添加了更为独立和立体的呈现，如何在创作和演奏中把握好钢琴和弦乐的平衡感，成为创作和演奏优秀的钢琴三重奏最重要的环节之一。
钢琴三重奏鸣曲（也可简称为钢琴三重奏）作为奏鸣曲的一种分支，在最初指的是用器乐演奏的三个声部的奏鸣曲，由四种不同的乐器演奏（2把小提琴或长笛或类似于小提琴的古乐器——维奥尔琴，一把古大提琴，还有演奏伴随低音的乐器——古钢琴）。后逐渐演变成为由一把小提琴、一把大提琴和一架钢琴演绎的三声部奏鸣曲。
巴洛克时期是奏鸣曲的早期发展时期。德国作曲家约翰·塞巴斯蒂安·巴赫——对当时以及后世音乐有着相当影响力的作曲家——对于三重奏鸣曲的创作虽不算多，但是首首都可称之为经典，并且可以算得上是这个时期的代表作。他共创作了10首三重奏，其中有六首是双键盘和脚踏键盘奏鸣曲（即管风琴奏鸣曲），另外4首分别都是为了小提琴或长笛与低音乐器而创作的。作为管风琴大师，巴赫创作的管风琴三重奏充分体现了在巴洛克时期早期三重奏的创作特点，即上2个声部和声结构严谨，因而旋律性处于次要位置，音乐则是按照轮唱式的结构展开。这种轮唱的、类似回声的结构实际上就是卡农曲式，并且在后来的音乐创作中，卡农曲式有着相当多的运用。广为流传的《卡农》就是作曲家帕海贝尔以此种曲式创作并命名的。在巴赫的管风琴三重奏中，低音声部作为上两个声部的伴随，在乐曲中通常起到的是一种对音乐充实和烘托的作用。
到了古典主义时期，奏鸣曲的发展又进入了新的阶段。奏鸣曲的规格从慢-快-慢-快和有几个舞曲乐章的简单形式发展成了多乐章奏鸣曲。多乐章奏鸣曲也称为奏鸣曲套曲，一般包含快板奏鸣曲-抒情慢板-小步舞曲-快板奏鸣曲这几个部分，每一个部分为一首独立的曲子，这四首的组合为一套，称之为套曲。海顿、莫扎特、贝多芬等作曲家的绝大部分奏鸣曲都采用了这种套曲形式。
弗朗茨·海顿，古典主义时期多产并且具有时代意义的作曲家，他对于三重奏的作品创作有着承上启下的作用。他沿用了巴洛克时期三个声部的创作结构，并且将三重奏的演奏乐器固定为一把小提琴、一把大提琴和一架钢琴，并且沿用至今。与后来三重奏创作的不同之处在于，他将创作的三重奏命名为《用小提琴、大提琴伴奏的钢琴奏鸣曲》，钢琴在三个声部中是作为主要声部而存在，而小提琴和大提琴更多的扮演了伴奏的角色，这一点从他对三重奏作品的命名上就不难推断。
19世纪浪漫主义时期，奏鸣曲主要以多乐章的套曲形式出现，并且被舒伯特、肖邦、李斯特、舒曼、勃拉姆斯等人赋予了丰富的浪漫特征，使主题更具抒情性，更易发展和变化，风格更为多样。这都是由于作曲家的创作重心开始向“人”和“人性”转移，开始脱离宗教。当时逐渐成熟的乐器制作工艺和创作体裁、形式的确定都是成为此时期音乐发展中不可忽视的推动力。而在此时期，三重奏在创作和演奏时，各声部所占比重逐渐均衡，因此对于创作题材的扩展就成为了作曲家们创作的新思路。
奥地利作曲家弗兰兹·舒伯特作为早期浪漫主义的代表，在创作三重奏的过程中就充分体现了对题材多样性和音乐色彩的关注。就如他作于1827年的第一号钢琴三重奏（作品号898）中，在最后一个乐章他就使用了人们耳熟能详的“饮酒歌”的旋律，为音乐增添了一丝欢乐与活力。
作曲家费利克斯·门德尔松是生长在德国的犹太裔作曲家，他的作品不拘泥于当时德国音乐的创作思维，而是更多的运用不同的音乐素材和动机并进行创作。他的《No.1钢琴三重奏》更是被同时代作曲家舒曼赞誉为“当代的大师级作品，足以媲美贝多芬的降B大调、D大调和舒伯特的第二号降E大调三重奏。”这首作品旋律灿烂优美，在创作时更多加入的是作者对生活对人生的感受。
同样在此时期，欧洲民族乐派的发展同样是欣欣向荣。捷克作曲家安托宁·德沃夏克是捷克民族乐派的主要代表人物，他的创作题材突出的是捷克和斯拉夫民族的民族特性。在他创作的六首钢琴三重奏中，有一部被称作“杜姆卡”。 “杜姆卡”是富有伤感和忧郁特性的斯拉夫民间叙事歌曲，而德沃夏克就是以这种题材为动机创作出了这首三重奏，并且受到人们的欢迎。
到了20世纪，奏鸣曲受到了音乐风格多样化的影响，不仅出现了大量注重节奏性与民族性的作品，并且在创作和演奏上开始求新求变。沃尔顿的《弦乐奏鸣曲》就是更多的注重对于演奏形式的改变。此时期其他作曲家采用的新的技术和创作手法也都是对于奏鸣曲创作的大胆尝试。
